Wiederveröffentlicht: Ministry. The Mind Is a Terrible Thing to Taste

1989 hatte ich einen Plattenladen, in dem 50% meiner Kunden Heavy-Metal kauften. Alles, was damals so angesagt war: Metallica, Kreator, Living Death sind die ersten, die mir da so einfallen. Mein Laden hatte alles, was Thrash-, Speed- und andere Metalgenres so hervorbrachten - und mit praktisch nichts davon konnte ich mich größer anfreunden. 

Ministry verkaufte ich seit deren zweiten Album auch gut. Twitch, 1986 erschienen, zählte damals zu meinen Lieblingsalben. Als das vierte Album The Mind Is a Terrible Thing to Taste erschien, war ich kaum gespannnt, weil mir der Vorgänger nicht sonderlich gefiel. Doch was Ministry hier boten, ließ mich wieder an die Band glauben. Das war eine großartige Mischung aus Metal und Industrial, gemixt mit einer wunderbaren Punk-Attitüde. Und dann das Cover: Große Klasse!

Ich dachte mir, das wäre was für meine Matal-Kunden, die immer auf der Suche nach neuen Bands waren. Aber als ich ihnen dieses Album vorspielte, blieb den meisten die Spucke weg. Manche schauten gar verstört, andere straften mich mit bösen Blicken.

Heute ist das Album, längst ein Klassiker, von Music On Vinyl wiederveröffentlicht worden. Endlich! Wie immer in einer limitierten Auflage.

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Portrait: Lizzy Mercier Descloux (1956 - 2004)

Lizzy Mercier Descloux war eine Avantgardistin. In ihrer Musik verband sie die Popmusik der New Yorker No Wave Szene und dem, was man so Weltmusik nennt. Sie war stets unterwegs, auf musikalischen Reisen durch Äthiopien, Südafrika aber auch Südamerika. Ihre scheinbare Rastlosigkeit und ihre Idee verschiedene Musikstile zusammen zu bringen, erinnerten nicht selten an die spätere Arbeit eines Bill Laswell. Im Gegensatz zu ihm nahm sie jedoch nahm nur eine handvoll Alben auf; sie spielte in kleinen Filmen ebenso kleine Rollen, schrieb Musik für Soundtracks und widmete sich in den letzten Jahren ihres Lebens der Malerei.

Keine zwanzig Jahre war sie alt, als sie 1975 erstmals nach New York kam, wo sie sich sofort wohl fühlte und in Künstlern wie Patti Smith oder Richard Hell Freunde fand, die beide Material für ihr erstes Buch Desiderata beisteuerten. 1976 siedelte sie gemeinsam mit ihrem Lebensgefährten Michel Esteban ganz über, kaufte sich eine Gitarre und begann ihre Musikerkarriere.

1978 veröffentlichte sie unter dem Namen Yemen Rosa gemeinsam mit Didier Esteban (D.J. Barnes) ihre erste 6-Track-EP auf dem Label des von Michel Esteban und Michael Zilkha gegründeten Labels Ze Records. Ein Jahr später folgte das legendäre Debutalbum Press Color, das heute zu den Klassikern der No-Wave-Genres zählt. Mercier-Descloux' minimalistisches, etwas schräges, zappeliges funky Gitarrenspiel prägte das Album ebenso, wie ihr atemloser, oft auch disharmonischer Gesang. Zu dieser Zeit lernte sie Jean Michel Basquiat kennen, der ihr eine stetige Inspirationsquelle werden sollte.

Mit ihrem zweiten Album, 1981 von Chris Blackwell auf dessen Island Label realisiert, vereinigte Lizzy Mercier Descloux erstmals afrikanische Musik mit Funk, Rock, Soul und Reggae, eingespielt in den legendären Compass Point Studios auf den Bahamas gemeinsam mit Steven Stanley and Keyboarder Wally Badarou. Auch wenn der kommerzielle Erfolg ausblieb, sorgte diese Produktion für einen Vertrag mit der französischen CBS. Mit dem Song Mais où Sont Passées les Gazelles?, inspiriert durch die Musik, die sie auf einer Reise durch Soweto gehört hatte, hatte sie in Frankreich einen Überraschungshit, der im Sommer 1984 auf allen Sendern spielte.

Der Song erschien dann etwas später auf Mercier Descloux' nächsten Album Lizzy Mercier Descloux (2006 als Zulu Rock wiederveröffentlicht), das größtenteils in Südafrika eingespielt war. Heute angehört, nimmt dieses Album erstaunlicherweise Paul Simons Graceland-Album (das erst 1986 erschien) vorweg. Nur ohne dessen Erfolg; obwohl es durchweg beste Kritiken erhielt und noch heute bei vielen Experten ganz oben in deren Lieblingslisten rangiert.

Angestachelt von diesem Projekt versuchte sie sich einen Traum zu erfüllen: afrikanische Musiker mit Musikern aus New Orleans zusammenzubringen. Das scheiterte allerdings an den südafrikanischen Behörden, die sich weigerten entsprechende Visa auszustellen.

Stattdessen reiste sie 1985 nach Rio de Janeiro, um dort ein Album mit lokalen Musikern einzuspielen. Auf dem RIO Jazz Festival traf sie überraschend auf Chet Baker, den sie spontan ins Studio einlud und der auf fünf Songs die Trompete spielte. Das Ergebnis war One For The Soul ein Album "mit Seele für die Seele", wie Lizzy Mercier Descloux es einmal selbst bezeichnete. Für mich persönlich ihr bestes Album. Es zeichnet sich durch eine wunderbar relaxte, ja zarte aber keineswegs oberflächliche Atmosphäre aus.

Ein Album sollte noch folgen. Suspense spielte sie 1988 mit Mark Cunningham, Trompeter der Postpunkband Mars, in London ein. Das Album brach mit ihren zuletzt benutzen Stilmitteln. Es klingt wie ein britisches Pendant zu ihrem ersten Album, mit guten Musikern eingespielt, aber leider ohne die zündende Idee, ohne einen roten Faden, der ihre vorherigen Alben stets zusammenhielt.

Mitte der Neunzigerjahre hat Lizzy Mercier Descloux angeblich noch einmal einen Versuch gestartet und in New York ein Album eingespielt, das jedoch unveröffentlicht blieb. Gleichzeitig widmete sie sich wieder verstärkt der Malerei und schrieb einen Roman mit dem Titel Buenaventura. Die letzten Jahre ihres Lebens verbrachte sie auf Korsika, wo sie heute vor 15 Jahren, am 20. April 2004, verstarb.

Discografie

Lange Jahre waren Lizzy Mercier Descloux' Alben nicht erhältlich. Einerseits, weil sie auf verschiedenen Labels erschienen waren, andererseits weil ihr "Hauslabel" Ze Records seinen Betrieb eingestellt hatte. Doch 2004 öffneten die Online-Pforten des neu aufgelegten Labels und das Werk von Mercier Descloux war vorübergehend zumindest digital wieder verfügbar. Inzwischen hat sich die Auferstehung von Ze Records aber auch wieder erledigt. Glücklicherweise erschienen 2016 schließlich bei dem Label Light in the Attic alle Alben in aufwändiger Aufmachung auch wieder als Vinyl-Schallplatten. Endlich!

• Rosa Yemen (1978) EP
  2003: auf dem Album Press Color (Ze Records)
• Fire/Mission Impossible 12"
  2003: download, 12"
• Press Color (1979) LP
  2003: CD (digipak), LP, download
  2010: CD (MiniLP)
  2015: 2LP, inkl. der Rosa Jemen EP
• Mambo Nassau (1981) LP
  2003: CD (digipak), download
  2010: CD (MiniLP)
  2016: LP
• Lizzy Mercier Descloux (1984) LP, CD
  2006: Zulu Rock CD (digipak), download
  2010: Zulu Rock CD (MiniLP)
  2016: Zulu Rock LP
• One For The Soul (1986) LP, CD
  2009: download
  2010: CD (MiniLP)
  2016: LP
• Gypsy Flame/Gueule d'Amour EP
  2003: download
• Suspense (1988) LP, CD
  2009: download
  2010: CD (MiniLP)
  2016: LP
• Best Off (2006) CD, download
• From Heaven With Love (2011) download
• Voilà, Voilà: The Remixes (2015) download

Alle aufgelisteten Alben und EPs sind derzeit als Download über amazon erhältlich.
2016 wurden sämtlich Alben der Französin auf Vinyl wiederveröffentlicht.

:: Lizzy Mercier-Descloux bei Light in the Attic :: Wikipedia :: Richard Hells Nachruf  :: Nachruf von Oliver Tepel (Spex) ::

Ausgelesen: Die TELDEC-Story von Rüdiger Bloemeke

"Wie ein Plattenfirma unser Leben veränderte" lautet der Untertitel dieses lesenswerten Werks von Rüdiger Bloemeke etwas großspurig. Aber tatsächlich hat die TELDEC, 1950 aus einem Joint-Venture zwischen der deutschen Telefunken und dem britischen Decca-Label entstanden, entscheidend dazu beigetragen, unseren Musikgeschmack seit den 1950er-Jahren in Deutschland zu prägen.

Aber warum ein Buch über diese Firma? Ihr fehlt jeglicher Kultcharakter, wie ihn so manches Label heute umweht, nichts, was auf den ersten Blick ein ganzes Buch rechtfertigen würde. Doch bei genauerem hinsehen, erkennt man schnell, dass dieses Unternehmen tatsächlich wesentlich dazu beigetragen hat, nach dem Krieg internationale Musik in Deutschland zu etablieren. Den Jazz und Blues in den 50ern, dann den Rock'n'Roll, in den 60ern den Beat, später den Rock. Und in den 70ern versorgte TELDEC die deutschen Hitparaden mit Popmusik, wie kaum eine andere Firma.

Dabei half zunächst das Repertoire der britischen Decca, das bei Firmengründung 1950 neben dem altbackenen und etwas verstaubten Repertoire der Telefunken, das vor allem auf deutschen Schlager, sowie Volks- und Marschmusik setzte, einen Hauch von "Exotik" mit sich brachte. Zumal Decca das London-Label betrieb, das viele US-amerikanische Künstler beheimatete.

Vertriebsdeals mit dem US-Labels RCA, Warner Bros., Capitol oder MCA brachte Stars wie Elvis Presley, Frank Sinatra oder Ray Charles in die deutschen Plattenläden. Später die bei Decca unter Vertrag stehenden Rolling Stones, David Bowie oder Van Morrison. Und aus deutschen Landen sind die Karrieren von Udo Lindenberg und Peter Maffay eng mit der Firma verbunden.

Daneben konnte die TELDEC sich aber auch einem Namen in der Forschung machen. Nachdem die Vinylschallplatte Ende der 50er-Jahre die Schallackplatte abgelöst hatte, gab es bei der TELDEC stets Bemühungen, die Qualität des eingesetzten Materials, als auch dessen Weiterverabeitung zu verbessern. So wurden im firmeneigenen Presswerk in Nortorf erstmals Singles im Füllschrift-Verfahren gepresst. Ein Verfahren, dass die Spielzeit einer Single auf bis zu 9 Minuten pro Seite erhöhte und sich schnell als Standard auch bei anderen Schallplattenfirman durchsetzte. Und als sich in den 1980ern die CD als Konkurrent zur Vinylschallplatte zu etablieren begann, entwickelte man in Nortorf das Direct Metal Mastering, kurz DMM, mit dem man die Qualität und Spielzeit der Vinylschallplatte noch einmal verbesserte. Zwar konnte man den Siegeszug der CD damit nicht stoppen, heute wird DMM allerdings weltweit beim Pressen von Schallplatten verwendet.

Autor Bloemeke gelingt mit dieser Chronik nebenbei auch einen Einblick in die popkulturellen Entwicklung der BRD und ihrer Gesellschaft, sowie einen Einblick in die internationale Musikwelt, geprägt von nur wenigen Konzernen. Das beginnt spannend mit dem politisch heiklen Zusammengehen einer deutschen mit einer britschen Schallplattenfirma, gerade einmal 5 Jahre nach dem Ende des 2. Weltkriegs, und endet schließlich Ende der 80er-Jahre mit der Übernahme der Firma durch den Warner-Konzern.

Dazu gibt es unzählige Abbildungen von Schallplattencovern, historische Fotos und auch ein paar Statistiken, die das Ganze prima abrunden. Ein lesenwertes Buch für alle, die sich für Musik, aber auch für Industriegeschichte interessieren. 

:: Die Teldec Story - Wie eine Plattenfirma unser Leben veränderte, Voodoo Verlag ​2018, Hardback, 284 Seiten, EUR 38, ISBN: 9783000596988 ::
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Ausgegraben: Robin Gibb. Saved By The Bell - Collected Works 1968-1970 (3CD-Box)

Dieser Tage ist eine erstaunliche CD-Box erschienen, die nicht nur für Fans Robin Gibbs oder der Bee Gees von Interesse sein dürfte (und sollte). Rund 45 Jahre nach ihrer Enstehung, werden hier nun die allermeisten Songs dieser Box erstmals veröffentlicht, nachdem ein Großteil dieses Materials lange Zeit als verschollen galt. Ganze 10 Jahre nahm die Arbeit an dieser Zusammenstellung in Anspruch. 10 Jahre, in denen nicht nur die Masterbänder aufgespürt werden, sondern Produzent Andrew Sandoval auch auf Acetate zurückgriff, die erst teuer auf Aktionen erstanden oder von Sammlern ausgeliehen werden mussten. Umso erstaunlicher ist nun das Ergebnis.

Als Anfang 1970 Robin Gibbs erstes Soloalbum Robin's Reign erschien, war er längst wieder im Studio, um Songs für ein Nachfolgealbum, Sing Slowly Sisters benannt, einzuspielen. Doch es kam anders als gedacht. Nicht nur die Erfolgslosigkeit der Solokarrieren seiner Brüder Barry Gibb und Maurice Gibb, sondern auch die Unzufriedenheit mit seinem Dasein als Solokünstler, nachdem er zuvor beinahe 15 Jahre gemeinsam mit ihnen die Bee Gees von einer australischen Kindergesangsgruppe zu einer international erfolgreichen Popband geführt hatte, ließen ihn noch im Jahr 1970 einer Reunion mit seinen Brüdern zustimmen, obwohl er selbst mit dem Singlehit Saved By The Bell im Sommer 1969 auf einen europaweiten Tophit zurück blicken konnte. Und auch zwei Nachfolgesingles konnten in Europa in den Charts punkten.

In einem Interview bezeichnete Robin Gibb diese Zeit einmal als seine dunkle Zeit. Kein Wunder, dass er an dem Solomaterial nach der Reunion der Bee Gees und den neuen gemeinsamen Erfolgen, schnell sein Interesse verlor. Offenbar so sehr, dass die Masterbänder der meisten der Aufnahmen aus den Jahren 1969/70 offenbar verloren gingen.

Robin's Reign erschien dann zwar Anfang der 90er Jahre einmal als CD, war jedoch nur kurzzeitig über ein Polydor Billiglabel in Krabbelkisten verfügbar und schnell eine echte Rarität unter Gibb-Fans. Von einem unveröffentlichten Album wussten allerdings nur Experten. Erst als in den späten 90er Jahren auf der legendären Ladybird-Bootleg-Reihe unveröffentlichtes Material unter dem Titel Sing Slowly Sisters veröffentlicht wurde, ahnte man, dass da noch vieles in den Archiven schlummern könnte. 

Erst vor 10 Jahren begann Robin Gibb sich wieder auf diese Zeiten zu besinnen, was dazu führte, dass er 2007 im Rahmen der BBC-Sendung Lost Albums dieses zweite unveröffentlichte Album vorstellte. Damals musste er noch auf ein Acetat zurückgreifen, das kaum besser klang, als das Ladybird-Bootleg. Aber bei den Fans wurde damals die Hoffnung genährt, dass an einer Bearbeitung und Veröffentlichung dieses Materials gearbeitet wurde.

Diese Hoffnung bekam jedoch eine Dämpfer als Robin Gibb 2012 starb. Posthum erschien zwar sein letztes Soloalbum 50 St. Cathrine's Drive, an weitere Veröffentlichungen unter seinem Namen, mochte dann aber kaum mehr jemand glauben.

Bis heute.

Saved By The Bell - Collected Works 1968-1970 ist nun wirklich die definitive Rückblende für alle Fans dieser Periode aus Robin Gibbs Karriere. 63 Songs, in den Jahren 1968 bis 1970 eingespielt, belegen nun die überaus beeindruckende Kreativität des damals gerade mal 20-jährigen Musikers, der mit einfachsten Mitteln wahre Perlen der Popmusik erschuf, im Grunde weit entfernt von dem, was er in den Jahren zuvor mit den Bee Gees produziert hatte. Robin's Reign, auf CD 1 enthalten, zeigte 1970 tatsächlich nur einen kleinen Ausschnitt aus Robin Gibbs musikalischem Universum. Die Songs, die man nun heute dem unveröffentlichtem Album zuordnet, entwickeln mit ihren z.T. grandiosen Orchesterarrangements (meist von Kenny Clayton geschrieben) in Verbindung mit frühen Drum-Computern und einfachen Keyboards eine unglaubliche Faszination. So ist CD 2, die dieses Material vornehmlich enthält, auch der Höhepunkt dieser Box. Und das in einer Klangqualität, die keinerlei Wünsche übrig lässt. Die Restauratoren haben hier ganze Arbeit geleistet.

Aber auch die 3. CD bietet Unvergleichliches, auch wenn man hier dem einen oder anderen Song die Restaurationsarbeiten anhört. So gibt es hier u.a. Demos zu hören, die Robin Gibb bereits zu seinen Zeiten mit den Bee Gees solo eingespielt hat, aber auch seine raren BBC-Sessions vom Januar 1970 und seine Hommage an die Mondlandung, Moon Anthem betitelt, ein 5-minütiges Stück für Chor und Orchester. 

Wenn man nun noch berücksichtigt, dass dieses Set, das im Übrigen ausführliche Liner Notes von Bob Stanley enthält, gerade mal für 20 Euro angeboten wird, dann sollte man sich diese Zusammenstellung umgehend zulegen. Es gibt viel zu entdecken!

Erhältlich über amazon.de

Ausgegraben: Jimi Hendrix Experience - Winterland (4CD-Box)

Die Shows, die Jimi Hendrix mit seiner Experience 1968 im Winterland gab, sind in dieser Box erstmals offiziell zusammengefügt. Ein Hörgenuss der entspannten Art!

Sechs Shows spielte die Band in drei Tagen am 10., 11. und 12 Oktober 1968, exakt der Zeitpunkt, zu dem das Electric Ladyland-Album in den Staaten erscheinen sollte (tatsächlich erschien es dann wegen der Probleme, die aufgrund des Covers entstanden, etwas später.), und die Band war zu diesem Zeitpunkt zweifellos auf ihrem kreativen Höhepunkt.

Deren Spielfreude war zu diesem Zeitpunkt enorm. Das ist auch an den Coverversionen zu hören. Herausragend: Sunshine of Your Love von Cream, Like A Rolling Stone von Bob Dylan. Und auch Wild Thing von The Troggs erlebt eine Wiedergeburt in der Bearbeitung der Experience. Und wenn man genau hinhört wird man auch ein Zitat von I Feel Fine der Beatles hören, das die Band in ihre Version von Hey Joe am 11.10 eingebaut hat.

Auch interessant ist der Vergleich der diversen Sets, der nun erstmals möglich ist und man ist verwundert, wie sehr manche Songs variieren, sowohl in der Länge, als auch im Aufbau. Manchmal verweigert Hendrix einfach den Gesang oder er singt einen ganz neuen, frei improvisiert, wie vieles auf diesen vier CDs. Als Hendrix-Fan oder Kenner wird man sicher noch mehr Interessantes entdecken. Angeblich gibt es auch einige Edits, die die Fachleute sicher erkennen. Doch für mich, dem sich Jimi Hendrix erst sehr spät erschlossen hat, ist diese Box genauso eine Entdeckungsreise wie die The Cellar Door Sessions von Miles Davis; eine Reise, die ohne Ende neue Sichtweisen auf die Musik beider Musiker, die meiner Meinung nach sowieso vieles gemeinsam haben, zulässt.

Winterland bei amazon

Gerade gehört: Glen Campbell vs Jeff Bridges

In diesen Tagen sind die Alben zweier älterer Herren erschienen, die ich nun so oft gehört habe, dass ich inzwischen kaum glauben kann, dass sie rein zufällig so zeitgleich erschienen sind. Warum? Weil man sie so schön vergleichen kann und dabei kaum Gemeinsamkeiten ausmachen kann, sie aber trotzdem prima zusammen passen.
Schon rein formal könnten die Unterschiede kaum größer sein: für den 61-jährigen Jeff Bridges ist es sein Debut (ok, ich weiß, Bridges hat schon früher einmal ein Album eingespielt. Ich habe das aber einmal gehört und sofort wieder vergessen), für den 13 Jahre älteren Glen Campbell wohl eher sein Abschiedsalbum. Und während Campbell versucht, "ganz großes Kino" zu machen, hat der andere, der tatsächlich Schauspieler von Beruf ist, ein Album ohne große Ambitionen abgeliefert. Nach Jeff Bridges' Erfolg mit seiner Rolle als abgehalfteter Countrysänger in dem wunderbaren Film Crazy Heart, für dessen Soundtrack er bereits fünf Songs eingespielt hatte, lag es beinahe nahe, dass er es mit einem kompletten Album versuchen könnte, das ihn nicht so sehr auf das Countrygenre festlegen würde; was gelungen zu sein scheint, denn auf dem bei Blue Note erschienen Werk finden sich auch Blues- und Pop- und Folkmelodien, die Mischung, die man heute Americana nennt, um das vom klassischen Country abzugrenzen.

Einem Country, dem Glen Campbell stets verpflichtet war. Doch auch er liefert auf seinem neusten Werk Ghost on the Canvas eher ein Popalbum ab. Das hat möglicherweise damit zu tun, das Campbell nach einer Alzheimerdiagnose mit diesem finalen Album noch einmal sein Leben Revue passieren lassen wollte, weswegen das ein sehr persönliches Album geworden ist. Die zu befürchtende Gefühlsduselei blieb dabei aber glücklichwerweise aus. Das liegt ganz klar an den Songschreibern, die Campbell engagiert hat. Leute wie Paul Westerberg, Jakob Dylan, Teddy Thompson oder Robert Pollard kommen eher aus der alternativen Musikszene und ihr Songwriting trägt wesentlich zum Reiz dieses teilweise äußerst hörenswerten Albums bei.

Für manchen US-amerikanischen Musikkritiker ist dieses Album aber zu "weich". Mit Sentimentalität könnte der klassische Countryhörer sicher umgehen, mit Schwäche und Ängsten eher nicht. Campbells innere Einkehr und die daraus entspringenden Einsichten machen das Album für mich allerdings erst interessant, gehörte er doch nie zu meinen liebsten Sängern, sondern stand spätestens seit Rhinestone Cowboy 1975 auf meiner Blacklist. Countrypop vom Schlimmsten, was man damals beim AFN zu hören bekommen konnte. So etwas findet man hier aber glücklicherweise nicht.

Auch Jeff Bridges hat für sein Album äußerst gemischte Kritiken bekommen. Vor allem die Songauswahl wurde oft kritisiert (zu sentimental!). Die große Schwäche dieses Album ist jedoch für mich der Gesang. Das war schon die Schwäche beim Hören des Soundtracks zu Crazy Heart. Im Film fiel das nicht so auf, doch wenn das Bild fehlte, wurde es schwierig. Auf Jeff Bridges wünschte man sich entweder etwas mehr Whiskey in der Stimme oder mehr Dynamik. Beides fehlt. Und so ist es nicht verwunderlich, dass die Highlights des Albums die sind, wo Gastsänger zur Unterstützung aufgefahren wurden. Darunter Ryan Bingham, Rosanne Cash, Sam Phillips und Benji Hughes. Der Rest ist völlig ok. Die Produktion von T-Bone Burnette ist gelungen, die Songauswahl erwartungsgemäß auch.

Was von den beiden Alben bleibt sind zwei Hände voll sehr guter Songs, die mich auch noch weiter begleiten werden. Und die Einsicht, dass auch große Unsympathen wie Glen Campbell, eine zweite Chance verdient haben. Und die Hoffnung, dass Jeff Bridges sein Debut mit einem zweiten Album toppen wird.

Und um die ganze Vergleicherei zum Abschluss zu bringen: Während Jeff Bridges in True Grit kürzlich die Rolle des Rooster Cogburn spielte, gab Glen Campbell 40 Jahre zuvor im Original des Westerns den Ranger LaBoeuf - und sang natürlich den Titelsong des Films.

Jeff Bridges [DL] und Glen Campbell bei amazon

Ausgegraben: Jim Capaldi - Dear Mr. Fantasy

Dear Mr. Fantasy? Ist das nicht von Traffic? Und war das nicht Steve Winwood? Ja, natürlich, aber nicht nur. Jim Capaldi war Co-autor einer ganzen Reihe von Traffic-Songs und gleichzeitig der Schlagzeuger der Band. Und wie das mit Schlagzeugern so ist, war man später ganz überrascht, das dieser auch singen konnte, als Capaldi nach dem Ende Traffics begann, Soloalben zu produzieren.

Doch Capaldi hatte auch vor Traffic musiziert. The Hellions war seine erste Band 1964. Später umbenannt in Revolution und Deep Feeling. Damals lernte er Dave Mason kennen und über diesen Steve Winwood und die Geschichte von Traffic konnte beginnen: Dear Mr. Fantasy, John Barleycorn Must Die, Dealer, 40,000 Headmen - an vielen Songs war Jim Capaldi beteiligt, ohne dass er größer in den Vordergrund trat. Traffic hatte schon genug Probleme damit, mit Steve Winwood und Dave Mason zwei musikalische Köpfe zu verkraften. Da war für einen dritten Ideengeber kein Platz. Sein erstes Soloalbum, Oh How We Danced, 1972 in einer Traffic-Pause eingespielt, wurde in den Muscle Shoals Studios in Alabama aufgenommen und schlug eine Brücke zwischen britischem Rock und Blues und US-Rhythm & Blues. Paul Kossoff als Gitarrist war auch dabei. Die Kritiken fandes es gut, die Fans eher nicht. 

Und während Capaldi bis 2001 regelmäßig Soloalben veröffentlichte, veredelte er als renommierter Schlagzeuger auch den Sound vieler anderer Musiker. So spielte er mit Eric Clapton oder Carlos Santana, arbeitete aber auch immer wieder mit Steve Winwood zusammen und war natürlich bei diversen Traffic-Reunions beteiligt. Für sein letztes Album, das vor 10 Jahren bei dem deutschen Label SPV erschienen war, konnte er Musiker wie George Harrison, Steve Winwood, Paul Weller, Gary Moore und Ian Paice verpflichten.

Er war gerade mal 60 als er 2005 an Magenkrebs starb. Jetzt endlich erscheint mit Dear Mr. Fantasy - The Jim Capaldi Story eine angemessene Restrospektive seines Werks auf 4CDs, die den 40-jährigen Bogen komplett von The Hellions bis zum Traffic-Reunionkonzert anlässlich der Einführung in die Rock'n'Roll-Hall-Of-Fame im Jahr 2004 schlägt. Für Fans ist sicher die 4. CD die interessanteste, da sie vor allem unveröffentlichtes Material enthält - u.a. den Song Love’s Got a Hold of Me mit George Harrison gemeinsam eingespielt; mein Highlight auf dieser CD ist aber seine Liveversion von Love Will Keep Us Alive, ein Song der von den Eagles für deren Hell Freezes Over-Album 1994 Verwendung fand.

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Trackliste

CD 1

1. Daydreaming of You – The Hellions
2. Hallelujah – Revolution
3. Pretty Colours – Deep Feeling
4. Dealer – Traffic
5. Dear Mr. Fantasy – Traffic
6. Light Up or Leave Me Alone – Traffic
7. Rock and Roll Stew – Traffic
8. 40,000 Headmen*
9. Pearly Queen (Live) – Eric Clapton and Friends
10. Tricky Dicky Rides Again
11. Oh How We Danced
12. Eve
13. Don’t Be A Hero
14. Open Your Heart
15. How Much Can a Man Really Take
16. Low Rider
17. Whale Meat Again

CD 2

1. It’s All Up to You
2. Love Hurts
3. Short Cut Draw Blood
4. Boy with a Problem
5. Seagull
6. You and Me (with Paul Kossoff)
7. Game of Love
8. Elixir of Life
9. Shoe Shine (Disco Mix)
10. Hotel Blues
11. Tabitha
12. Electric Nights
13. Wild Geese
14. Every Man Must March to the Sound of His Own Drum
15. Man With No Country
16. Going Home

CD 3

1. Let the Thunder Cry
2. Favella Music
3. Child in the Storm
4. Warm
5. Old Photographs
6. We Don’t Need
7. Tonight You’re Mine
8. Living on the Edge
9. That’s Love
10. Gifts of Unknown Things
11. Lost Inside Your Love
12. Tales of Power
13. Warriors of Love
14. Something So Strong
15. Oh Lord, Why Lord
16. Love Used to Be a Friend of Mine
17. Some Come Running
18. Living on the Outside

CD 4

1. Standing in My Light
2. Anna Julia
3. Love You ‘til the Day I Die
4. State of Grace*
5. Tallulah*
6. Humanity (Just Another Checkpoint)*
7. Bright Fighter*
8. Strange Bird*
9. How Do I Get to Heaven*
10. Love’s Got a Hold of Me (with George Harrison)*
11. Song for George*
12. The Time of Cholera*
13. Invaders of the Heart*
14. Getting Strong*
15. Love Will Keep Us Alive*
16. Dear Mr. Fantasy* (Live) – Traffic (Recorded at rehearsals for the Rock and Roll Hall of Fame induction, New York City 2004)

Disc 1, Track 1 from Piccadilly single 7N 35213, 1964
Disc 1, Track 2 from Piccadilly single 7N 35289, 1966
Disc 1, Track 3 rec. 1966, first issued on Angel Air SJPCD088, 2001
Disc 1, Tracks 4-5 from Mr. Fantasy, Island LP 961, 1967
Disc 1, Tracks 6-7 from The Low Spark of High Heeled Boys, Island LP 9180, 1971
Disc 1, Track 8 original version first appeared on Island single WIP 6030, 1968
Disc 1, Track 9 from Eric Clapton’s Rainbow Concert, RSO 877, 1973
Disc 1, Tracks 10 & 11 from Island single WIP 6165, 1973
Disc 1, Track 12 from Island (U.S.) single 1204, 1972
Disc 1, Tracks 13-15 from Oh How We Danced, Island LP 9187, 1972
Disc 1, Tracks 16-17 from Whale Meat Again, Island LP 9254, 1974
Disc 2, Tracks 1-5 from Short Cut Draw Blood, Island LP 9336, 1975
Disc 2, Track 6 from Koss, DJM LP 2-300, 1977
Disc 2, Tracks 7-8 from The Contender, Polydor LP 2383 490, 1978
Disc 2, Track 9 from RSO 12″ single RPO-1014, 1979
Disc 2, Tracks 10-13 from Electric Nights, RSO LP 3050, 1979
Disc 2, Tracks 14-16 from The Sweet Smell of Success, Carrere 116, 1980
Disc 3, Tracks 1-6 from Favella Music, Carrere LP 123, 1981
Disc 3, Tracks 7-10 from Fierce Heart, Atlantic LP 7 80059-1, 1983
Disc 3, Tracks 11-13 from One Man Mission, Atlantic LP 7 80192-1, 1984
Disc 3, Tracks 14-16 from Some Come Running, Island LP 9921, 1988
Disc 3, Track 17, 18 & Disc 4, Tracks 1-3 from Living on the Outside, SPV CD 72512, 2001 – reissued 2003
Disc 4, Tracks 4-16 previously unreleased
 All tracks performed by Jim Capaldi unless otherwise indicated.
* indicates previously unreleased track

Gerade gehört: Ry Cooder - Pull Up Some Dust And Sit Down

Ry Cooder ist schon ein Phänomen. Jahr für Jahr bringt er neue Alben heraus und findet jedes mal ein neues Thema; dieses mal ist es der Protestsong. Ok, das Thema hat er schon öfter gestreift in seinen unermüdlichen ethnologischen Bemühungen, dem Folksong einen wichtigeren Platz in der vom Pop und Rock beherrschten Musikwelt einzuräumen. Im aktuellen Fall packt er aber ganz aktuelle Themen an, verbreitet also ganz persönlichen Protest verbunden mit seiner oft so typischen Bitternis, seiner Ironie bis hin zum Sarkasmus. Ein Kulturpessimismus, der sich oft nur im Zusammenspiel mit der Musik wieder auflöst. Denn Cooder packt seinen Protest ins Gewand klassischer Protestsongs, also Folk, Blues, Mariachi - und Ry Cooder wäre nicht Ry Cooder, würde er das nicht mit einer gehörigen Portion Humor verbinden - auch wenn der im Falle Pull Up Some Dust And Sit Down recht düster daher kommt.

Das geht los mit dem Song Quicksand, den Cooder bereits im letzten Jahr aus Anlass eines neuen Migrationsgesetzes in den USA veröffentlicht hatte. Hier gibts keine "Gnade" für die Mexikaner, die ihrem zerrütteten Land entfliehen wollen. Oder in Christmas Time This Year, dem besonderen Weihnachtsgruß für den Präsidenten:

Our boys and girls will be coming home in plastic bags I fear
then we'll know it's christmas time this year
Thank you Mr. President for your kind words and deeds
There's just one thing I'd like for you to hear
Take this war and shove it up this Crawford, Texas ass
And then you know it's christmas time this year

So stellt er auch gleich klar, welchen Präsidenten er damit meint - und unterlegt das mit herrlichen Tex-Mex-Akkordeonklängen - natürlich von Flaco Jimenez gespielt. Und in John Lee Hooker For President, wo Ry Cooder den vor 10 Jahren verstorbenen Blueser regelrecht auferstehen lässt, bekommt dann auch Präsident Obama noch sein Fett weg.

Überhaupt muss man mal die großartigen Sangeskünste Ry Cooders erwähnen. Das kommt meiner Meinung nach viel zu selten vor. Auf seinen ganz frühen Alben hielt er sich damit offenbar noch etwas zurück. Doch je älter er wurde, desto bluesiger wurde seine Stimme. Nicht nur in John Lee Hooker For President klingt er beinahe schwärzer als seine Vorbilder, auch im dem spartanischen instrumentierten Baby Joined The Army, einem Song, in dem er den amerikanischen Traum auf das Erschossenwerden im Krieg reduziert: "They told me if I get killed in battle I still get paid". Und in Simple Tools zeigt Cooder mit einfachen Mitteln wie ausweglos sich das wirkliche Leben darstellen kann.

Und am Ende des Albums angekommen, wird einem klar, warum Ry Cooder an all diesen Gruseligkeiten nicht völlig verzweifelt. Weil er die Musik dazu hat, diesem Protest eine Form zu geben. Und zwar eine wunderschöne Form. Im letzten Song des Albums allerdings, No Hard Feelings, einer romantisch klingenden Countryballade, versucht er noch einen anderen Weg der Problembewältigung:

No hard feelings no offense taken
You're just a murmur in the whispering sands of time
No bad karma, no curses on ya
You'll go your way and I'll go mine

Aber ob das so klappt?

kaufen (amazon) ist auch als Vinyl erschienen!

Rave On: Buddy Holly zum 75.

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Heute wäre Buddy Holly 75 Jahre alt geworden - wäre er nicht bereits 1959, im Alter von nur 22 Jahren bei einem Flugzeugabsturz ums Leben gekommen. Bis dahin hatte er aber bereits über 10 Singles, darunter That'll Be The Day, Nummer 1 in England und den USA, veröffentlicht. Und während in den Staaten sein früher Ruhm ganz langsam zu erlahmen schien, war er in England umso beliebter. So war er der erste US-amerikanische Popmusiker, der den großen Teich überquerte, um durch England zu touren. Keith Richards und die Beatles zählten zu seinen Fans und Buddy Holly wurde gleich in mehrfacher Hinsicht zum Vorbild vieler Musiker in den 60er Jahren in England.

Was Buddy Holly so wichtig machte war seine Unabhängigkeit, die er sowohl kommerziell als auch künstlerisch zu leben versuchte. Er war der erste Musiker, der seine Songs selbst schrieb und seine Platten selbst produzierte. Er befreite sich nicht nur vom Diktat der Musikverlage und Produzenten, sondern er versuchte durch seine gelegentliche Zusammenarbeit mit schwarzen Musikern und der Integration schwarzer Musikelemente (wie etwa Gospel) in seine Musik, die in den USA auch in der Musikindustrie herrschenden Rassenschranken aufzubrechen. Das machte manchen in den Staaten Angst, brachte Buddy Holly - vor allem in England - durchaus aber auch Anerkennung.

So ist es nicht nur seine Musik, die die Popmusik in den folgenden Jahrzehnten beeinflusste. Buddy Holly war der erste im Showgeschäft, der mit einer Brille auftrat (was Elton John angeblich zu seinem Brillenfetisch führte), die Hollies und die Beatles benannten sich nach Buddy Holly (& The Crickets!), ein sehr junger Bob Dylan war Holly-Fan (und sah eines seiner letzten Konzerte), und einen Bobby Vee oder auch die Everly Brothers, wären ohne Holly sicher nicht denkbar gewesen.

Buddy Hollys Todestag ging als "day, the music died" in die Musikgeschichte ein - ein Begriff, den Don McLean 1971 in seinem Song American Pie prägte, und in dem er seine Gefühle schilderte, als er von Hollys Tod erfuhr. Für Don McLean ein Tag, dessen Echo durch die gesamten 60er Jahre widerhallte und irgendwo beim Altamont Festival 1969 bitter verklang. (Eine Reflexion über American Pie stellt übrigens Roberta Flacks Killing Me Softly With His Song dar.)

Natürlich wurde auch Hollys Musik gecovert bis sich die Schallplatten bogen. Allen voran natürlich das unsägliche Peggy Sue. Das ist, wie viele andere Songs, dermaßen durch alle Industriekanäle gequetscht worden, dass man das heute nur noch schwer ertragen kann. Selbst Coverversionen leiden nicht selten unter dieser Verwertungsmaschinerie. In diesem Jahr erschien allerdings eine Compilation, Rave On Buddy Holly!, die durchaus hörenswert ist und sogar einige Überraschungen bereit hält. Z.B. Lou Reeds krachige Version von Peggy Sue oder das völlig umarrangierte That'll Be The Day von Modest Mouse. Aber auch Paul McCartney, dem im Übrigen die Rechte an Buddy Hollys Songkatalog gehören, überrascht mit seinem bluesigen It's So Easy! Großartig!
Glücklicherweise ist die Musik vor 52 Jahren dann doch nicht wirklich gestorben!

Das Tracklisting:
1. "Dearest" - The Black Keys
2. "Every Day" - Fiona Apple & Jon Brion
3. "It's So Easy" - Paul McCartney
4. "Not Fade Away - Florence + The Machine"
5. "(You're So Square) Baby, I Don't Care" - Cee Lo Green
6. "Crying, Waiting, Hoping" - Karen Elson
7. "Rave On" - Julian Casablancas
8. "I'm Gonna Love You Too" - Jenny O.
9. "Maybe Baby" - Justin Townes Earle
10. "Oh Boy" - She & Him (2:18)
11. "Changing All Those Changes" - Nick Lowe
12. "Words Of Love" - Patti Smith
13. "True Love Ways" - My Morning Jacket
14. "That'll Be The Day" - Modest Mouse
15. "Well...All Right" - Kid Rock
16. "Heartbeat" -The Detroit Cobras
17. "Peggy Sue" - Lou Reed
18. "Peggy Sue Got Married" - John Doe
19. "Raining In My Heart" - Graham Nash

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Ausgegraben: Peter Murphy - Should The World Fail To Fall Apart

Als Peter Murphys erstes Soloabum erschien, war ich zunächst enttäuscht, denn das beduete ja offenbar das Ende von Dalis Car. Dalis Car waren Peter Murphy (Ex-Bauhaus) und Mick Karn (Ex-Japan) und ihr Album The Waking Hour liebte ich 1984 sehr. Doch die Trauer hielt nicht lange vor. Denn Should The World Fail To Fall Apart war beinahe noch besser.

Besser, weil abwechslungsreicher und songorientierter. Trotzdem abseits von Mainstreampfaden. Und irgendetwas darauf ließ mich immer an den Orient denken. Keine Ahnung warum. Vielleicht lag es einfach nur an dem letzten Song Jemal, ein Instrumentalstück, das mit arabisch(?) sprechenden Stimmen unterlegt ist. Getragen wird Jemal von einem Piano, dazu die damals typischen elektronischen Sounds und ein kleines, herrlich arrangiertes Orchester; ein großartiger Abschluss eines sehr romantisch-melancholischen Albums.

Nun ist Should The World Fail To Fall Apart als 2-CD-Set wiederveröffentlicht worden und man muss sagen, dass dies eine äußerst gelungene Neuauflage ist. Der Clou ist CD 2, die ausschließlich rares, z.T. auch unveröffentlichtes Material beeinhaltet. Vor allem die diversen Versionen des Pere Ubu-Songs Final Solution, mit dem Peter Murphy 1985 eine kleinen Clubhit landen konnte, sind von Interesse. Aber auch die Up-Version von Canvas Beauty, zuvor, wie die meisten Songs auf dieser CD, lediglich auf Vinyl-B-Seiten erschienen und kaum mehr aufzutreiben, sind nun endlich wieder zugänglich. Was diese CD jedoch so gelungen macht, ist, dass die alternativen Versionen der Songs in der selben Reihenfolge wie auf dem ursprünglichen Album angeordnet sind und man somit praktisch ein alternatives Album zu hören bekommt. Klingt sehr interessant und ist praktisch alleine das Geld Wert.

Meines Erachtens unveröffentlicht ist die Coverversion des David Bowie-Songs Stay (von dessen Station To Station Album), die ebenfalls auf CD 2 enthalten ist.

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Paul Kossoff und die Stille zwischen den Tönen

Kürzlich habe ich den Film It Might Get Loud gesehen. In dem treffen sich drei Gitarristen, um gemeinsam übers Gitarrenspielen zu sinnieren; in einer Mischung aus Konzerthalle und Wohnzimmer, in einer merkwürdig sterilen, total prätentiösen Atmosphäre, offenbar fürs Kino produziert. Dabei erwischte ich mich bei der Frage nach meinem Lieblingsgitarristen - eine Frage, die mir komischerweise noch nie im Leben jemand gestellt hat - und fragte ich mich, ob dieser in solch einem Film mitgewirkt hätte, und ob er heute überhaupt noch musizieren würde; denn wäre er nicht schon in den 70ern gestorben, würde es ihm bestimmt nicht sonderlich gut gehen. Vielleicht würde er aber trotzdem noch immer so geniale Soli raushauen, wie zu seinen Lebzeiten. Wer weiß.

Ich konnte also noch nie Paul Kossoff! antworten. Völlig absurd eigentlich. Paul Kossoff, unvergessen und verehrt (von mir), Gitarrist der legendären Band Free und laut Rolling Stone auf Platz 51 der besten Gitarristen aller Zeiten.
Schon bei Free hatten ihn die Drogen fest im Griff. Nach Free gründete er, nach einer Solo LP, die Band Back Street Crawler. Die klang zwar immer seltsam blutleer, war als Spielwiese Kossoffs aber durchaus zu gebrauchen. Nach seinem Tod (irgendwo über den US-amerikanischen Wolken durch Herzversagen) erschien eine Doppel-LP, Koss, die sämtliche Stationen dieses unbeschreiblichen Gitarristen umriss und mich viele Jahre begleitete.

Ich bin überzeugt, dass Paul Kossoff, als er starb, seine besten Soli noch gar nicht gespielt hatte. Abgesehen davon, dass er, wie alle großen Gitarristen, einen ganz eigenen unverkennbaren Sound hatte, war er der Meister des Weglassens. Beinahe ein Miles Davis der Lead Gitarre. Man musste bei ihm also die Stille zwischen den Tönen "mit"-hören. Die war Teil des Ganzen. Es kam auch vor, das er einen Ton sekundenlang malträtierte (nicht die Gitarre, den Ton selbst) - und das war dann das ganze Solo! Und es war verblüffend; und es war grandios! Keiner konnte seiner Gitarre mit nur zwei, drei Tönen den Blues (oder auch den Soul) auf so unnachahmliche Weise entlocken.

Ein schönes Beispiel ist Come Together In The Morning. Das Solo im Mittelteil des Songs ist so herrlich minimalistisch, dass man sich unwillkürlich fragt, ob Kossoff über seiner Gitarre vielleicht eingeschlafen war und gerade so, in letzter Sekunde, hochschreckte, ohne wirklich zu wissen, wo er sich gerade befand, dass hier ein Album eingespielt wurde - und halb verschlafen spielte er einfach mal los, dachte, es würde schon irgendwie passen. Wer weiß - ist nur so ne amüsante Idee (ich wollte jetzt nicht das Bild bemühen, dass man ihn zu jeder Zeit in der Nacht aus dem Bett hätte holen können etc etc)... jedenfalls ist sein Gitarrenspiel derart voller Seele -- das konnte kein anderer so gut wie er, der Paul Kossoff! Der Mann war genial, ohne Frage und es ist sehr sehr schade, das er mit gerade mal 25 gestorben ist und nicht in dem Film It Might Get Loud mitmachen konnte. Da hätte er Jimmy Page, The Edge und Jack White mal so richtig das Fürchten lehren können! Auf seinem Grabstein steht übrigens "All Right Now".

Paul Kossoffs Diskografie ist schnell aufgezählt: er spielt auf allen Free-Alben mit und hat zwei eigene Alben unter dem Namen Back Street Crawler veröffentlicht. Es gibt das Doppelalbum Koss ebenso auf CD, wie eine von Island herausgegebene Kopplung namens Blue Soul.
Als Empfehlung neben Koss möchte ich aber das Album Kossoff, Kirke, Tetsu, Rabbit erwähnen, das in einer kurzen Phase, in der Free auf Eis lag, entstand, aber praktisch nichts anderes als Free 1972 minus Paul Rogers war - und noch immer großartig ist!

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C81 - 30 Jahre später

Vor fünf Jahr hatte ich in meinem White Noise-Blog die legendäre C81-Cassette des New Musical Express vorgestellt und darauf reichlich Reaktionen erhalten, denen ich entnehmen konnte, dass viele Menschen lediglich die C86-Cassette kannten. Klar, die war damals stilbildend, ja genrebildend, zumindest für eine kurze Zeit; die 81er-Version dagegen ist zwar die weitaus Hörenswertere, in Deutschland aber wohl die Unbekanntere.

Es war die erste des New Musical Express beigelegte MC, die in Zusammenarbeit mit dem Rough Trade-Label entstand und von Roy Carr und Christopher Rose, beides Mitarbeiter des Indie-Labels, zusammen gestellt wurde. Ganz umsonst war sie damals jedoch nicht. Man brauchte nicht nur zwei Gutscheine, sondern musste zusätzlich noch £1.50 zahlen, um an ein Exemlar zu kommen. Auf diese Weise wurden 15000 Stück verkauft. Anlass waren die ersten fünf Jahre unabhängigen Musikschaffens auf der Insel. Darüberhinaus wurde der blühenden "Cassettenkultur" der Indieszene Tribut gezollt.


Damals nannten Kritiker das den Abgesang des Postpunk. Vielleicht etwas zu früh, aber nicht völlig falsch. Es war aber in jedem Fall der Ausgangspunkt für neue Sounds, die die Cassette in ihrer ganzen Bandbreite vorstellte. Da sind zum einen die ersten vagen Reggae-, Dub- und Ska-Sounds, dann das, was, wir heute Indiepop nennen (und später in der C86 mündete), und natürlich elektronische Sounds, Punk, sogar Funk, und, bei Linx, die ersten leisen Housetöne.

Beim Hören hat es mir dann wirklich ab und an den Atem verschlagen. Geniale Songs, genial zusammengestellt. Alleine die ersten beiden Songs...sagenhaft! - keine Ahnung wie lange ich nicht mehr The Beat gehört habe. Eine interessante Saat, die hier 1981 vom NME dokumentiert wurde, und deren Früchte wir noch heute ernten können.

Und die man heute noch problemlos hören kann! Die Qualität ist nicht die beste, eben von MC vor einigen Jahren überspielt. Aber egal. Reinhören lohnt sich!




Playlist
01 - Scritti Politti - Sweetest Girl (6:07)
02 - The Beat - Twist & Crawl Dub (4:57)
03 - Pere Ubu - Misery Goats (2:27)
04 - Wah! Heat - 7000 Names Of Wah! (3:56)
05 - Orange Juice - Blue Boy (2:53)
06 - Cabaret Voltaire - Raising the Count (3:29)
07 - D.A.F - Kebab Träume (Live) (3:48)
08 - Furious Pig - Bare Pork (1:28)
09 - The Specials - Raquel (1:52)
10 - Buzzcocks - I Look Alone (2:59)
11 - Essential Logic - Fanfare In the Garden (3:00)
12 - Robert Wyatt - Born Again Cretin (3:06)
13 - The Raincoats - Shouting Out Loud (3:19)
14 - Josef K - Endless Soul (2:26)
15 - Blue Orchids - Low Profile (3:48)
16 - Virgin Prunes - Red Nettle (2:08)
17 - Aztec Camera - We Could Send Letters (4:55)
18 - Red Crayola - Milkmaid (1:58)
19 - Linx - Don't Get In My Way (5:13)
20 - The Massed Carnaby St John Cooper - The Day My Pad Went Mad (1:46)
21 - James Blood Ulmer - Jazz Is the Teacher, Funk Is the Preacher (4:01)
22 - Ian Dury - Close To Home (4:12)
23 - Gist - Greener Grass (2:31)
24 - Subway Sect - Parallel Lines (2:37)

Joan As Police Woman in Deutschland

Joan As Police Woman hat einige Termine in Europa für den Spätsommer und Herbst bekannt gegeben. Unter anderem spielt sie im August in Hamburg und Berlin, bevor sie im September die britischen Inseln bereist.

Im November stehen dann weitere Termine in der Schweiz, Dänemark, Holland und Deutschland an. Im Gepäck hat sie nach wie vor ihr Album The Deep Field.

Termine:
21. August - Hannover - Bootboohook Festival
22. August - Hamburg - Uebel & Gefahrlich
23. August - Berlin - Lido
31. August - Edinburgh, UK - Liquid Room (Edge Festival)
1. September - York, UK - The Duchess
2. September - Dorset, UK - End of the Road Festival
4. September - Stradbally, IE - Electric Picnic
5. September - Gateshead, UK - The Sage
6. September - Manchester - St. Philips Church
7. September - Birmingham - Institute Temple
9. September - London - Shepherd's Bush Empire
12. November - Zürich - Kaufleuten
13. November - Genf - Usine
15. November - Aarhus, DK - VoxHall
16. November - Kopenhagen - Amager Bio
17. November - Utrecht - Tivoli
20. November - Bielefeld - Forum
22. November - Freiburg - Jazzhouse
23. November - München - Feierwerk
25. November - Heidelberg - Pret a Ecouter

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Ruhe in Frieden, Amy!

Heute verstarb Amy Winehouse, die derzeit wohl beste R&B-Sängerin, mit nur 27 Jahren. Ein Jammer!

Me And Mr. Jones

Gerade gehört: Locas In Love - Lemming

Obwohl ich finde, dass es langsam Zeit wird, dass Locas In Love endlich die Aufmerksamkeit erhalten, die ihnen zusteht, machte mich die Euphorie in den Medien der letzten Wochen doch ein wenig misstrauisch. Doch ich werde mich dieser Euphorie nun uneingeschränkt anschließen! Lemming ist eine gewaltiger Schritt in eine ganz neue Richtung. Plötzlich machen die Kölner richtigen Indiepop in der Tradition der Shoegazer/Noise Tradition der 80er-Jahre. Unerwartet! Da türmen sich mitunter ganze Gitarrenwände vor einem auf, die man irgendwo zwischen Ride und Velvet Underground ansiedeln kann.

Und auch textlich scheinen sich die Songschreiber weiterentwickelt zu haben. Ganz besonders angetan hat es mir dabei das auch als Single veröffentlichte An Den Falschen Orten, das auf dem Album mit sechseinhalb Minuten völlig unwiderstehlich wird.

"Die Band aus Köln [hat sich] bereits in der Vergangenheit darauf konzentriert, schmerzliche Wahrheiten auf ungewöhnlichem Wege mitzuteilen"

sagt Jan Wiggers auf Spiegel Online. Und das trifft besonders auf Die zehn Gebote und An Den Falschen Orten zu. Wo kommt nur diese unangenehme Weisheit her? Oder Spoiler Warning, bei dem Ein Loch ist im Eimer und Let It Be auf grandiose Weise verknüpt werden: "Verstopf es mit dir selbst, mit dir selbst, mit dir selbst/ Wenn du glaubst, dass sich etwas ändert/ Wenn du glaubst, dass du es aushältst/ Sonst lass es sein, lass es gehen, lass es los/ Worte voller Weisheit: Lass es sein." Große Klasse!

Auf ihrer Webseite präsentiert die Band übrigens stolz all die tollen Rezensionen aus Presse und Netz der letzten Zeit. Und die sind die Lektüre Wert. Außerdem lesen wir dort, was es mit dem Titel Lemming auf sich hat, können das Video zu An Den Falschen Orten anschauen und im Shop auch ältere EPs/Singles und Alben downloaden. Das Album Lemming ist auch als Vinyl (inkl. CD) erhältlich!

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Das ganz große Feuerwerk

Family - Old Songs New Songs (1971)
Reprise Records

Bei diesem Album handelte es sich eigentlich um eine Compilation, auf der die Band neben Singles auch einige Songs versammelte, die sie ganz neu eingespielt, bzw. abgemischt hatte. Family waren mit dem Mixdown ihres zweiten Albums Entertainment nicht sehr zufrieden gewesen und auf dieser Zusammenstellung bot sich nun die Gelegenheit, dies, zumindest teilweise, zu ändern.
Old Songs New Songs bestach durch seine enorme Dramaturgie. Während auf Seite Eins noch alles in "normalen" Bahnen läuft, wird auf Seite Zwei dann das ganz große Feuerwerk abgebrannt. Hier versammeln sich wirklich die besten Songs der Band und der Höhepunkt ist The Weaver's Answer. Sowieso schon ein großer Song, ist er in dieser Neuaufnahme jedoch Abschluss und Krönung eines gelungenen Albums.

Den Zauber kann man heute jedoch nur noch erfahren, wenn man die Schallplatte besitzt. Wiederveröffentlicht wurde Old Songs New Songs nie. Für mich war es der perfekte Einstieg in das Werk der Band und eine langjährige Begeisterung, auch für das Nachfolgeprojekt Streetwalkers oder für die frühen Soloplatten Roger Chapmans.

Die Vorwegnahme von Fusion

Frank Zappa - Hot Rats (1969)
Reprise Records

Keine Ahnung, wann genau ich dieses Album zum ersten Mal hörte. Nur wo, das weiß ich noch. Bei uns, im heimatlichen Jazzkeller, irgendwann in den Siebzigern.
Hot Rats veränderte meine Sicht auf Frank Zappa und seine Musik völlig. Fortan sah ich in ihm eher den Komponisten. Formal war das die Vorwegnahme von Fusion, und gleichzeitig auch deren Höhepunkt. Aber es ist eher kein Jazz. Hier ist jede Nuance von Zappa perfekt durch arrangiert und selbst die Soli klingen allesamt "komponiert", durch und durch melodiös. So kann man jede der Melodien schon beim zweiten Mal mitsummen. Also ein Album, das gute Laune macht, das anspruchsvoll und doch eingängig ist, also beinahe die Kriterien für ein perfektes Popalbum erfüllt.


Und das hervorragend klang: Es war eines der ersten Alben, das im 16-Spur-Verfahren eingespielt wurde. Trotzdem hat Zappa das Mastering für die CD, im Digitalisierungswahn 15 Jahre später, leider völlig verhunzt. Ob das auf späteren Auflagen der CD (gerade 2009 ist diese bei Ryko zum x-ten Male wiederveröffentlicht worden) wieder rückgängig gemacht wurde, weiß ich nicht. Also: lieber LP hören! 

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Zwischen Prog und Folk

Strawbs - Hero And Heroine (1974)
A&M

Dieses Album der Strawbs hörte ich mit meinem damals besten Freund immer und immer wieder. Irgendwann konnte ich die Texte, ohne sie wirklich zu verstehen, allesamt auswendig mitsingen (und das klappt teilweise heute noch). Alles an diesem Album ist klasse. Das Cover, die Songs, der Sound, der Sänger David Cousins - die Stimmung. Die Band konnte sich damals nicht so richtig entscheiden, ob sie ihre alten Folkwurzeln wirklich völlig über Bord werfen und sich ganz dem Progressiven hingeben sollte, oder eine Mischung aus ihren musikalischen Möglichkeiten versuchen sollte. Sie entschied sich für letzteres, und das gelang ihr gar köstlich. Highlight sind der Titelsong (bis heute uneingeholt) und Out In The Cold. Auch wenn es noch andere gute bis sehr gute Strawbs Alben gibt (eines wird hier später sicher noch Erwähnung finden), bleibt Hero And Heroine das absolute Highlight in deren Discografie.

Das Album ist 1998 auf CD erschienen und enthält zwei Bonustracks.

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Das "unheimliche Meisterwerk"

King Crimson - In the Court of the Crimson King (1969)
E'G

Als ich dieses Album bei einem Freund Anfang der Siebziger erstmals hörte, blieb mir gleich beim ersten Song 21st Century Schizoid Man schlicht die Spucke weg. So etwas hatte ich zuvor nie gehört. Es war etwas verstörend. (Pete Townshend nannte das Album einmal ein "unheimliches Meisterwerk".) Heute ist es nicht mehr so einfach, das Ungeheuerliche daran zu erklären. Vielleicht war es das auch 1972 schon nicht, denn statt das Album zu verdrängen, bin ich los und habe es mir gekauft. (Und dann saß ich da in der Bahn und starrte diese Fratze, diesen Crimson King an - und der war irgendwie genauso irritierend.) Jedenfalls war das das erste Rockalbum, das ich so hörte, wie mein Vater Klassikplatten hörte: ganz aufmerksam, versunken in jeden Ton, jede Textzeile, am besten über Kopfhörer. Und wenn sich dann der Tonarm nach dem letzten Song In The Court Of The Crimson King von der Platte hob, dann war das stets erst einmal das letzte Stück Musik für den Rest des Tages. Und das geht mir heute noch so. Danach ist erst einmal Ruhe.

Zum 40. Jubiläum des Albums erschien eine Box mit 4 CDs und einer DVD, die das Album in verschiedenen Versionen enthält. Darunter auch ein Transfer des originalen Island-Vinyl Masters, das im Folgenden angehört werden kann.

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Portrait: Herman Brood zum 10. Todestag

Heute vor 10 Jahren starb Herman Brood. Er wurde nur 54 Jahre alt.

Nur wenige werden sich heute dieses Musikers erinnern, wenn sie nicht gerade in den Niederlande leben, denn dort war (und ich nehme an: ist noch immer) Herman Brood ein Star. Am Trauerzug, der am Hilton Hotel, von dessen Dach Brood in den Freitod sprang, begann, hin zum Paradiso, Amsterdams legendärem Club, der für Broods musikalische Karriere eine wichtige Rolle gespielt hatte, nahmen tausende von Zuschauern teil. Fans genauso, wie Schaulustige, denn Broods Berühmtheit, beruhte zumindest zur Hälfte auf seiner Drogensucht, die er seit den späten 70er-Jahren immer wieder öffentlich thematisiert hatte.

In Deutschland hatte Brood eine treue Fangemeinde, tatkräftig unterstützt durch das Magazin Sounds, das in Brood eine Art musikalischen Heilsbringer sah. Auch eine kurze Liaison mit Nina Hagen schürte die Aufmerksamkeit hierzulande. Trotzdem kennt ihn heute kaum mehr jemand, was wirklich schade ist. Glücklicherweise ist wenigstens seine Musik im Großen und Ganzen nach wie vor erhältlich.

Seit 1964 sammelte Brood musikalische Erfahrungen. Seine bekannteste Station war die Band Cuby and the Blizzards. 1976 gründete er seine eigene Band, Herman Brood & his Wild Romance und bereits ein Jahr später erschien deren erstes Album Streets, das jedoch kaum Aufmerksamkeit erregte. Nachdem Teile der anschließenden Tournee aufgrund der Drogenexzesse Broods abgesagt werden mussten, war die Aufmerksamkeit auf deren Seite und das zweite Album der Band, Shpritz, wurde zum Verkaufsschlager in ganz Europa. Songs wie Dope Sucks oder Rock & Roll Junkie sind heute Klassiker und mit Saturday Night hatte Brood seinen ersten Top-10-Hit.

Der Versuch 1979 den amerikanischen Markt zu erobern schlug jedoch fehl. Herman Brood & his Wild Romance tourten zwar mit Bands wie den Kinks oder den Cars, und Saturday Night erklomm die Billboard-Charts bis auf Platz 35, doch das reichte nicht, um sich jenseits des Atlantiks etablieren zu können.

Zurück in der Heimat bröckelte dann nicht nur die Band, sondern auch der Erfolg und weitere Alben warfen zwar noch den einen oder anderen Hit ab, hinterließen aber im abklingenden Punk- und Pubrock-Fieber kaum mehr Spuren.

Herman Brood blieb sein Leben lang drogenabhängig. Anfangs genoss er es sichtbar, öffentlich über seine Abhängigkeit zu reden. Später bekam er oft Skrupel, hatte Angst davor, seine Fans könnten durch ihn zum Drogenkonsum verleitet werden, obwohl er sich stets als abschreckendes Beispiel inszenierte und nicht nur in seinen Songs vor den Folgen des Drogenkonsums warnte.

In seinen späteren Jahren widmete sich Brood der Kunst. Er malte, meist großformatige, graffitiinspirierte Objekte, der Popart nahe. Hin und wieder erschien ein Album von ihm und die Wild Romance tourte mit einem Comeback-Album Ende der 80er-Jahre durch Deutschland. Zu seinem 50. Geburtstag gab es eine riesige Show im Paradiso in Amsterdam und ein Album mit Duetten mit dem schönen Titel 50 - The Soundtrack.

Herman Brood wählte den Freitod, nachdem 2001 eine Entziehungskur fehlgeschlagen war er unter schweren gesundheitlichen Problemen litt.

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